Cinema | Recommandations cinématographiques #30

Bonjour, bonsoir, j'espère que vous allez bien! En ce dernier jour de 2021, j'ai envie de terminer l'année en parlant de ce qui m'anime, soit le cinéma, qui est un art auquel je consacre la majorité de ma vie. 

Dans cet article, il s'agira de partager avec vous mon avis sur cinq films sortis au cinéma entre le mois de novembre et le mois de décembre. 

Par ailleurs, cela sera l'ultime article cinéma sous cette forme que j'écrirai pour le blog. En effet, je me suis rendue compte que, bien que j'ai réduit à cinq critiques par post, j'ai encore des difficultés à trouver du temps pour les rédiger et cela me frustre beaucoup. 

Je pense donc qu'à l'avenir, je consacrerai un article par film. Cela sera plus court à écrire pour moi et plus court à lire pour vous. On y gagne dans les deux sens non?

Maintenant que cela est dit, je vous souhaite une bonne lecture!

L'évènement d'Audrey Diwan.

Étant à la fois abonnée aux comptes d'Audrey Diwan et d'Anamaria Vartolomei sur Instagram, j'ai suivi de près tout le parcours du film en festivals et j'ai su très tôt qu'il ne fallait pas le rater. Je guettais donc depuis un moment sa sortie en salles et était impatiente de le découvrir enfin.

Tiré du roman éponyme d’Annie Ernaux publié en 2000, L'évènement décrit une époque durant laquelle l'avortement était interdit en France. 

Outre sa dénonciation évidente envers les injustices subies par les femmes, ce deuxième long-métrage est un moyen pour la réalisatrice d'explorer des sensations intimes qui ne cessent de croître tout au long du récit. Ainsi, on est directement confrontés avec la réalité concrète du processus de l'avortement clandestin. 

Tourné en 1.37, format du portrait, L'évènement se concentre sur l'essentiel et embrasse le regard de la protagoniste. Ce choix a permis à la cinéaste de contourner l'idée de la reconstitution et de plonger le spectateur dans un récit au présent. On est focalisés sur le personnage principal, au centre de l'action, élément avec lequel on ne fait qu'un, à travers lequel on observe, on ressent, on se laisse surprendre, on subit, en silence.

Dans cette optique, Audrey Diwan a poussé son chef opérateur Laurent Tangy à ne faire qu'un avec Anamaria Vartolomei. Ensemble, ils ont trouvé un rythme commun avec comme objectif d'être sans cesse à la hauteur du personnage, faire le point sur ce qu'elle regarde de manière viscérale. On vit alors, avec l'héroïne, les jours, les heures qui passent avant l'acte, tout comme on assiste au pendant et à l'après. L'expérience est aussi bien mentale que physique. Impossible de sortir indemne de la salle...

Cette idée de ne pas détourner le regard, même aux moments les plus durs, était primordial pour la réalisatrice. Les séquences sont donc filmées dans la longueur, sans coupes, ne nous laissant pas un instant pour souffler. 

Personnellement, j'ai eu l'impression d'être complètement vidée, comme si toute mon énergie et ma concentration avait été aspirées. En sortant de la salle, je suis allée respirer un coup dehors pour me ressaisir (avant d'aller voir Aline de Valérie Lemercier afin de me changer les idées).

Enfin, l'autre aspect intéressant du film est qu'il s'intéresse à la question des classes sociales. Anne, fille de prolétaire, est une jeune femme qui aspire à un avenir ambitieux. Ce sont ses études qui vont lui permettre d'accéder à une classe sociale supérieure et c'est cette volonté de réussir qui la pousse à refuser d'enfanter à ce moment charnière de sa vie.

Si L’Événement a obtenu le Lion d’or lors la Mostra de Venise 2021 ce n'est pas un hasard. C'est la preuve qu'il faut "choquer" pour se faire entendre et qu'il ne faut jamais baisser les bras pour obtenir gain de cause. Le chemin est encore long pour les femmes toutefois les récompenses comme celles-ci donnent de l'espoir quant au futur!

Anecdote : Pour les besoins d’une scène où elle devait jouer la peur et la douleur physique, Anamaria Vartolomei a porté une oreillette qui diffusait un tic-tac constant : « J’étais comme une bombe à retardement. Et plus j’avançais, plus ce son de métronome devenait fort. Ça me mettait dans un état d’irritation maximal. J’avais un vertige. Ça a vraiment influencé ma façon de marcher, ça a façonné aussi les expressions de mon visage à ces moments-là. ».

Les Magnétiques de Vincent Mael Cardona.

C'est un peu par hasard que je suis allée voir Les Magnétiques et, heureusement pour moi, ce fut un heureux hasard.

Né d’un désir d’écriture collective, le scénario de ce film est "l'enfant" de cinq personnes de la même génération (Romain Compingt, Chloé Larouchi, Maël Le Garrec, Catherine Paillé et Rose Philippon), tous nés au début des années 80.

Premier long-métrage pour l'acteur-scénariste-réalisateur, Les Magnétiques est une déclaration d'amour à cette époque entre 1978 et 1983, où la révolution numérique n'avait pas encore transformé le monde et où  différentes expressions artistiques ont explosé un peu partout dans le monde comme les fanzines, les groupes de rock et de punk et bien sûr les radios pirates.  

Pour nous plonger au coeur de ces années, le film démarre par cette célèbre image à la télé : l'apparition du visage de Mitterand, annonçant l'arrivée de la gauche au pouvoir en 1981, tournant majeur dans l'histoire de la France. 

On est donc là, dans un village perdu en province, avec ce groupe de jeunes. Tout le monde se réjouit sauf le personnage principal interprété par le brillant Thimotée Robart qui semble ailleurs, pas vraiment concerné. Parmi la bande il y a aussi son frère, incarné avec talent par Joseph Olivennes (fils de Kristin Scott Thomas, rien que ça) et la copine de son frère, joué par l'envoûtante Marie Colomb.

Outre le triangle amoureux entre ces deux frères et la jeune femme, on assistera également à un triangle entre les deux frères et leur père. Dans les deux cas, la distinction entre l'ainé et le cadet est évidente. Ce sont leurs différences qui les unis et renforcent leur complicité mais ce sont ces mêmes différences qui vont les opposer. 

À travers leurs deux personnalités distinctes, on perçoit deux types de masculinité (en plus de la figure du père qui nous montre encore autre chose) avec d'un côté le timide passionné et de l'autre le charismatique torturé.

Par ailleurs, le film oppose également la province, loin de tout et figée dans le passé et le centre, mobile, où tout se passe et tout se joue. Ici, la province est intemporelle et le centre est celui du Berlin de la guerre froide. Entre les deux, un monde, une énergie diamétralement antagonique. Sur eux, un regard tendre et à la fois critique.

La bonne idée du cinéaste et de son directeur de la photographie a été de ne pas tourner en pellicule. Ils ont opté cependant pour une caméra numérique dotée d'optiques anamorphiques d'époque : un moyen de témoigner leur fascination et leur attachement aux images de ce monde révolu des années 80 et un rendu qui, personnellement, m'a séduite (en plus du travail sur la lumière, les costumes et les décors qui m'ont immergée dans cette période que je n'ai pas connue).

Dédié à deux musiciens disparus (Philippe Pascal et Gilles Bertin), Les magnétiques c'est aussi et surtout un film imprégné de musique qui nous transporte ailleurs et nous fait rêver. Et ce n'est pas par hasard si c'est Thimotée Robart, perchman de formation, a été choisi pour incarner le rôle principal. 

La séquence qui m'a le plus marquée est justement celle d'une performance sonore durant laquelle le héros révèle indirectement son amour à sa belle. C'est Pierre Bariaud et Samuel Aïchoun, monteur son et mixeur, qui se sont chargés de reconstituer une véritable station radio d’époque dans la cave de la production. 

Afin que tout soit réaliste et sans trucages, ils ont testé les boucles infinies, les scratches de cassettes, la tasse sur la platine, le pendulum inspiré par Steve Reich. Une fois la performance mise au point, ils l’ont fait répéter par Thimotée Robart, dans la cave, une bonne partie de l’été, et le résultat est tout simplement bluffant.

En résumé : que ce soit la mise-en-scène, le casting, l'histoire, Les magnétiques est un film réussi et intelligent qui réunit tous les éléments pour nous faire passer un vrai moment de cinéma.

Anecdotes :  

1. Le film marque la deuxième apparition au cinéma de Thimotée Robart, révélé en 2019 par Vif-Argent de Stéphane Bahut dont je vous avais parlé dans un article cinéma d'octobre 2019.

2. Thimothée Robart avait travaillé précédemment sur la mini-série Laëtitia, portée par Marie Colomb, qui incarne Marianne dans le film. 

Compartiment n°6 de Juho Kuosmanen.

C'est à sa sortie en 2010 que Juho Kuosmanen a découvert le roman de Rosa Liksom. Pensant d'abord qu'une adaptation cinéma allait être trop complexe, le cinéaste a finalement changé d'avis suite à une rencontre avec l'auteure. Au final, il a décidé de s'inspirer du livre et non de l'adapter. 

Compartiment n°6 est surprenant à la fois par sa construction (on commence par une histoire d'amour et cela prend ensuite une direction complètement différente) mais notamment par ses décors atypiques. 

Entre la mauvaise odeur, le manque d'oxygène dans les espaces exigus, le film, tourné en majeure partie dans un train, a constitué un défi logistique important pour Juho Kuosmanen et son équipe réduite. Cependant, c'est sûrement cette proximité et cette intimité qui leur ont permis de capter quelque chose d'aussi spécial.

Quant au virage narratif, il nous pousse à ne pas avoir d'attentes et nous invite à nous laisser porter sans se poser de questions, tout comme l'héroïne qui suit son instinct. 

D'une certaine manière, le film ne commence que lorsqu'elle décide de ne pas rebrousser chemin et de continuer son voyage en solitaire. Comme elle, on apprend à faire face à l'imprévu et on embrasse l'improvisation et la spontanéité. 

Aussi, c'est à travers et grâce au personnage de Lioha, magistralement interprété par Yuriy Borisov (ma révélation) que Laura comprend qui elle est vraiment et saisi l'importance de l'instant présent et du plaisir des choses simples.

Au premier plan du film, il y a justement le sujet de la différence, de "l'étranger" et l'idée que l'autre est un reflet de notre personne ou en tout cas, ici, de l'héroïne. C'est par nos rencontres qu'on apprend à mieux se connaître nous-même et qu'on s'ouvre sur l'extérieur.  

Compartiment n°6 est un film intemporel qui ne cherche ni à plaire, ni à donner des leçons. Pendant une heure et demie, on est en Russie, dans ce train et on n'a pas forcément envie d'en descendre. Belle réussite!

Anecdote : Parmi les éléments qui ont été modifiés par rapport au livre il y a l’itinéraire, la décennie et par conséquent le pays (on passe de l’Union soviétique à la Russie), l’âge du personnage masculin et son nom (Vadim dans le livre, Ljoha dans le film). Ce changement en particulier a été fait suite à la rencontre avec un "fou" qui portait ce nom, que l'équipe a rencontré dans le train pendant les repérages.

Madres Paralelas de Pedro Almodovar.

Suite à son film introspectif Douleur et gloire (dont je vous avais parlé dans un article cinéma de juin 2019), Almodovar a choisi de s'intéresser, une nouvelle fois, à la figure de la mère.

Bien que je sois une fan du cinéaste espagnol, je dois avouer que j'avais quelques appréhensions quant à ce nouveau long-métrage. Si, comme je l'avais perçu dans la bande-annonce, la photographie ne m'a pas convaincue, le scénario m'a tenu en haleine tout du long (c'est que le réalisateur sait écrire des scénarios avec un talent incroyable). 

Avec Madres Paralelas il signe le septième long-métrage dans lequel il dirige l'actrice Penélope Cruz. À savoir que la première fois qu'il avait évoqué avec elle l'idée de ce film remonte à 1999, lorsqu'ils étaient en tournée promotionnelle du film Tout sur ma mère (que je vous recommande de voir si ce n'est pas déjà fait).

Outre cette relation extraordinaire entre les deux héroïnes, Pedro Almodovar en profite notamment pour évoquer les charniers franquistes contenant des milliers de cadavres d’opposants à la dictature de Franco, qui ont été enterrés dans des fosses communes clandestines. 

Les deux récits se nourrissent ainsi l'un de l'autre et permettent d'obtenir une seule et même histoire enrichie. La double intrigue parfaitement dosée grâce à un montage maitrisé, retient notre attention et crée un suspens intéressant.

Après deux heures de projection, je suis donc sortie de la salle complètement captivée et très émue par l'ensemble (il faut dire que le plan de fin est plutôt mémorable). 

Ce drame complexe autour de ces deux mères liées malgré elles, démontre encore une fois à quel point le cinéaste espagnol sait parler des femmes avec un recul parfaitement mesuré et un regard plus percutant que jamais. 

Madres paralelas n'est pas mon film préféré du réalisateur toutefois il fait partie de ses plus aboutis et il est notamment très représentatif de son cinéma. À ne pas rater!

Anecdotes: 

1. À l’exception des films Étreintes brisées (2009) et Les Amants passagers (2013), Pedro Almodóvar a toujours confié à Penélope Cruz le rôle d’une femme enceinte (En chair et en os, Tout sur ma mère) ou d’une mère (Volver, Douleur et Gloire). Le réalisateur l'explique par le fait que, pour lui, elle est l'image parfaite qu'il a de la maternité.

2. Je ne sais pas si vous avez suivi le scandale autour de cette affiche mais le fait qu'elle présente un mamelon duquel coule du lait l'a fait censurer par Instagram. Bien que le réseau social se soit finalement excusé et a autorisé la mise en ligne du visuel, estimant qu’il s’agissait d’un design artistique, je trouvais important de choisir cette affiche plutôt que l'autre, plus conventionnelle, pour illustrer ma critique.

La fièvre de Petrov de Kirill Serebrennikov.

Rares sont les fois où j'ai envie de quitter la salle néanmoins cela m'arrive et ce fut le cas avec La fièvre de Petrov. Pourquoi alors, je vous en parle aujourd'hui? Tout simplement parce qu'après les trente premières minutes, j'ai fini par lâcher prise et me suis laissée emporter par l'énergie inédite et déroutante du film.

La Fièvre de Petrov est tiré du roman Les Petrov, la grippe, etc., de l’écrivain Alexeï Salnikov qui a d’abord été publié dans le magazine Volga en 2016. Lauréat du National Bestseller Award et du prix littéraire « Le Nez » en 2019, l’ouvrage a séduit le producteur Ilya Stewart, qui en a acquis les droits. Au même moment, le producteur termine de travailler sur le précédent film de Kirill Serebrennikov, Leto, (sorti en 2018). Coïncidence : Serebrennikov avait organisé l’adaptation sur scène de Les Petrov, la grippe, etc. au Centre Gogol. Les deux hommes l'ont perçu comme un signe du destin et c'est ainsi que le projet a démarré. 

Tout comme le livre, la narration du film est moderniste et son style, inhabituel. Les intrigues s'entremêlent, se répètent, tout comme les époques, ce qui a pour effet de plonger le spectateur dans la plus grande des confusions. 

À l'image de ce qui se passe dans l'esprit du héros, on saute d'un souvenir à l'autre comme si on était nous même atteint par cet état grippal, pris d'une fièvre infernale, nous empêchant de faire la distinction entre la réalité et l'imaginaire, le passé du présent. 

Mise à part la narration embrouillée, ce long-métrage est, d'un point de vue technique, tout aussi complexe et impressionnant. Vladislav Opelyants, le directeur de la photographie, a largement contribué au résultat final en faisant un travail 100% fait main, sans avoir recours aux images de synthèse.

Enfin, pour interpréter Petrov, le cinéaste russe a choisi le directeur de théâtre et acteur Semyon Serzin, qui avait initialement reçu la proposition de monter une pièce inspirée du livre. Personnellement, je l'ai trouvé absolument fantastique, tout comme le reste du casting.

Avec ce film, Kirill Serebrennikov nous offre sa vision de ce que la Russie est pour lui. À travers l'empathie, le partage des souvenirs d'enfance, des peurs, des joies, des rêves, il raconte à son public ce qu'il aime, déteste, adore, ce qui le fait enrager aussi. Il a avoué que, tourné durant une période sombre de sa vie, La Fièvre de Petrov lui a servi de bouée de sauvetage.

Anecdotes : 

1. La Fièvre de Petrov se déroule dans la ville russe de Iekaterinbourg, située en Sibérie occidentale. Si certaines séquences ont été filmées sur place, la majorité du film a été tournée à Moscou.

2. Kirill Serebrennikov n’a pas pu présenter son film au Festival de Cannes en 2021, où il était sélectionné. Accusé d'avoir détourné des subventions publiques avec sa compagnie de théâtre, le cinéaste avait l’interdiction de quitter la Russie. En 2018 déjà, le cinéaste n’avait pas pu se rendre sur la Croisette avec Leto car il était assigné à résidence.

Voilà donc pour ces cinq dernières recommandations cinématographiques de l'année 2021. J'espère que cela vous a plu et intéressé. Je vous souhaite à toutes et tous un bon réveillon et mes meilleurs voeux pour 2022!

Cinema | Recommandations cinématographiques #29

Bonjour, bonsoir, j'espère que vous allez bien! Aujourd'hui je partage avec vous cinq nouveaux coups de coeur cinématographiques. Sur les cinq films, trois ont été réalisé par des femmes et deux sont des documentaires qui m'ont marquée tout particulièrement.

Le milieu de l'horizon de Delphine Lehericey.

J'ai failli rater ce film parce qu'il ne passait que dans un nombre très limité de salles à Paris et qu'il n'est resté à l'affiche même pas deux semaines. 

Le milieu de l'horizon est le deuxième long-métrage de fiction de Delphine Lehericey. En 2013, était sorti Puppylove et précédemment elle avait notamment réalisé les documentaires Mode in Belgium (2012) et Kill the referee (2009). Pour ma part, je n'ai pas vu ces trois premiers films toutefois je suis curieuse de découvrir le reste du travail de la réalisatrice suisse.

Tiré du livre éponyme de Roland Buti, publié en 2013, ce deuxième film était l'occasion pour la cinéaste de raconter une histoire sur les enjeux de la fin d'un certain monde paysan, la fin de l'enfance ainsi que la fin d'une relation de longue date. Un vaste projet qui, bien qu'il semble ambitieux, tient sa promesse.

Ce qui est intéressant avec Le milieu de l'horizon c'est que, malgré le fait que le récit se déroule dans les années 1970 (et c'est un détail qui m'a particulièrement plu parce que je suis fan de cette décennie), les thèmes abordés sont toujours d'actualité. En effet, que ce soit la place de la femme dans la société, l'industrialisation de l'agriculture, les changements climatiques, l'adolescence ou les conflits familiaux : tous les sujets de ce film sont intemporels et universels.

Si le résultat est aussi réussi selon moi c'est notamment parce que la réalisatrice a elle-même vécue une expérience similaire au personnage de la mère. Ce qui l'a particulièrement marquée par cette histoire c'est qu'elle est regardée par le point de vue du fils. C'est donc à travers les yeux d'un enfant qui va devenir un jeune homme qu'on vit, qu'on ressent tout. 

Personnellement, ce qui m'a donné envie de voir Le milieu de l'horizon c'est tout simplement parce que j'admire tout autant Laetitia Casta que Clémence Poésy et que j'étais impatiente de les voir réunies à l'écran. Si leur alchimie et complicité est indéniable et que leur prestation est excellente, je dois admettre que j'ai été encore plus impressionnée par le jeu de Luc Bruchez qui joue le fils et tient le rôle principal. Cela a beau être sa première expérience au cinéma, je l'ai trouvé juste, charismatique, bouleversant.

Enfin, ce que j'ai adoré c'est la photographie. Tourné à la pellicule, les couleurs du film sont chaleureuses et m'ont fait totalement rêver. J'ai aussi vraiment apprécié la manière de cadrer les acteurs et la lumière en générale. 

Bref, Le milieu de l'horizon est un film que je suis heureuse d'avoir pu voir sur grand écran et que je vais continuer de recommander à toutes les personnages qui me demanderont une idée de film à voir.

Anecdote : C'est lors d'un trajet en voiture avec sa mère que Luc Bruchez a entendu à la radio une annonce pour le casting du film.

À la vie d'Aude Pépin.

C'est suite à la recommandation de Capucine du compte instagram @la.machine.infernale que je me suis précipitée en salles pour aller voir ce documentaire. Son conseil a été fort bon puisque j'ai été absolument bouleversée par À la vie.

Comédienne et journaliste, Aude Pépin a collaboré pendant quinze ans au Zapping. Après avoir obtenu son diplôme de journaliste au CFPJ, elle travaille pour l’émission de France 5, La Maison des maternelles, qui lui permet de rencontrer Chantal Birman qui est au coeur de ce film.

Chantal Birman, comme vous l'apprendrez en voyant ce merveilleux documentaire qui lui est consacré, est une sage-femme qui a pratiqué pendant 49 ans. À la vie, suit sa dernière année de travail avant qu'elle parte à la retraite en 2020.

Si Aude Pépin a ressenti la nécessité de briser le tabou qui entoure le post-partum c'est parce qu'elle a elle-même vécu une période très difficile après la naissance de sa fille, qui a frôlé la mort. 

Dix ans après cet épisode traumatisant, la cinéaste s'est dit qu'il était temps de développer un projet sur le sujet. Son idée était de faire un film en se plaçant du côté de l'émotion et des sensations afin que les spectateurs, qu'ils soient de n'importe quel sexe, puisse ressentir et éprouver ce que traversent les femmes qui viennent d'accoucher.

Grâce à Aude Pépin et son regard, on entre dans la partie la plus intime de ces jeunes mamans. Des tétons, aux cicatrices en passant par les agrafes ou encore les couches, tout est montré sans filtres. Dans cette optique, l’équipe a dû se fondre dans le décor lors des visites chez les patientes malgré des intérieurs plus ou moins exigus. Pour ce faire, la réalisatrice guidait le chef opérateur in situ, à l’instinct, grâce au retour image et son, pour pouvoir ajuster les cadres et la mise en scène. 

Bêtement, avant d'aller voir ce film j'ai pensé que j'irai le voir seule parce que cela n'intéresserait pas mon meilleur ami. Au final, je lui ai proposé de m'accompagner et nous avons, autant été chamboulés l'un que l'autre. À la vie c'est donc une oeuvre à découvrir seul(e) ou accompagné(e) mais c'est surtout à voir ABSOLUMENT et sans hésiter!

Anecdote : Pour son engagement ininterrompu pour le droit des femmes et des mères, Chantal Birman a été promue chevalier, puis officier de la Légion d’honneur. 

First cow de Kelly Reichardt.

Bien que sa carrière ait commencé en 1994 (avant ma naissance), je n'avais encore jamais vu un seul film de Kelly Reichardt. C'est désormais chose faite puisque j'ai eu le plaisir de voir son dernier long-métrage au cinéma.

Je me souviens avoir vu l'affiche de First Cow des mois avant sa sortie dans le quartier d'Odéon à Paris. À l'époque je m'étais dit : je ne sais pas ce que c'est mais je veux le voir. Ainsi, avant même de savoir qu'il s'agissait d'un film de fiction (je m'étais imaginée qu'il s'agissait d'un documentaire) et avant d'apprendre qu'il a été produit par la société A24 (à qui l'on doit entre autres les chefs d'oeuvre Midsommar, The Lighthouse, Waves et Uncut Gems), j'avais déjà décidé que je ne raterai pour rien au monde cette sortie. 

Dès le premier plan où l'on voit des mains d'homme cueillir des champignons dans la forêt, j'ai su que First Cow allait me faire passer un bon moment. Cela peut sembler arbitraire et subjectif cependant j'ai été immédiatement séduite par l'image. Étant un peu obsédée par les mains en général notamment, je dois avouer que l'entrée en la matière a été d'autant plus plaisante.

Adapté du roman The Half-Life de Jonathan Raymond sorti en 2005, il s'agit de la sixième collaboration entre le scénariste-romancier et la cinéaste. Ils avaient déjà travaillé ensemble précédemment sur Old Joy (2006), Wendy et Lucy (2008), La Dernière piste (2010), Night Moves (2013) et Certaines femmes (2016).

L'histoire se déroulant dans les années 1820, Kelly Reichardt n'a pas pu compter sur l'utilisation de sources photographiques pour ses recherches. Avec son équipe, elle a donc lu plusieurs ouvrages sur cette époque et s'est basée sur des récits transmis de génération en génération. 

Afin de façonner le style visuel de son film, elle et son directeur de la photographie Christopher Blauvelt ont revu Les Contes de la lune vague après la pluie de Kenji Mizoguchi et La Trilogie d'Apu de Satyajit Ray, qui se situent dans de modestes bidonvilles. Ils ont également puisé la palette de couleurs dans les tableaux de cow-boys de Frederic Remington, pour les bleus et verts sombres et la lumière ocre. 

Autre détail et pas des moindres : First Cow a été tourné en 4/3. Ce choix se justifie aussi bien par les actions des personnages qui creusent, fouillent la terre mais aussi par les décors et les accessoires comme les cheminées qui sont au niveau du sol ou encore la paillasse sur laquelle dort Cookie qui est tout est près du sol également. Par ailleurs, le format carré convient notamment aux grands arbres pour les extérieurs et accentue la proximité des éléments du plan avec le spectateur. Personnellement, c'est un format que j'affectionne particulièrement.

Sinon en termes de casting on est plutôt bien servis avec John Magaro (qui m'avait marquée dans la série The Umbrella Academy dont je vous avais parlé dans un article séries de novembre 2019) et Orion Lee dans les deux rôles principaux ainsi qu'Alia Shawcat, Toby Jones, Scott Sheperd et Ewen Bremner en personnages secondaires. 

Le récit se concentrant en particulier sur l'amitié grandissante entre les deux protagonistes, il était essentiel que les deux hommes choisis pour les interpréter est une complicité particulière. C'est le cas heureusement et c'est sûrement l'une des raisons pour lesquelles on s'attache autant à eux d'ailleurs.

Malgré le fait que le rythme de First Cow soit plutôt lent et que le film soit assez contemplatif, il m'a complètement captivée. Tout comme la recette de beignets qui permettent aux héros de connaître un certain succès, tous les ingrédients utilisés pour cette oeuvre sont raffinés et parfaitement associés les uns aux autres. Comme quoi pas besoin d'effets spéciaux ou de scénario alambiqué pour offrir un spectacle digne de ce nom.

C'est un coup de coeur!

Anecdotes : 

1. La vache utilisée pour le film se nomme Evie et a été sélectionnée à partir de plusieurs photos. Kelly Reichardt.

2. La costumière April Napier a imaginé ce que les gens portaient quand ils partaient de chez eux et le type de vêtements qu’ils réussissaient à se procurer en chemin. La réalisatrice se remémore : "On classait les costumes en fonction de l’état dans lequel les personnages arrivaient à destination, en fonction de l’emploi qu’ils occupaient, et de la question de savoir s’ils travaillaient au fort ou s’ils n’étaient que de passage. On a fini par travailler avec un chercheur, un certain Phil Clark, à Londres, parce que tous ceux qui conservaient des archives sur la région, qui prenaient des notes et dessinaient des croquis étaient anglais.

3. La région où se déroule le film s’appelle le Lower Columbia. C'est un endroit où la rivière Willamette se jette dans le fleuve Columbia à proximité du Portland actuel. Cette région est habitée depuis au moins douze mille ans.

Illusions perdues de Xavier Giannoli.

Alors qu'il n'avait encore que 20 ans et qu'il était étudiant en Lettres, Xavier Giannoli découvre le roman Illusions perdues d'Honoré de Balzac. 

Déjà à cette période, il envisageait d'en faire une adaptation cinématographique. Toutefois, il ne voulait pas se contenter de transposer tel quel le livre. C'est donc après des années à l'explorer, qu'il a choisi de se concentrer essentiellement sur sa deuxième partie.

Huitième long-métrage pour le réalisateur français, Illusions perdues est un véritable accomplissement selon moi. De la mise-en-scène, à la direction d'acteurs, en passant par les décors et les costumes, tout est mis en oeuvre pour nous en faire voir plein les yeux et nous immerger complètement dans le Paris du 19ème siècle.

Afin d'embrasser complètement le regard de Lucien (le personnage principal), le cinéaste a choisi de tourner avec des objectifs très particuliers qui déforment discrètement les perspectives, assombrissent parfois les bords de l’écran. Cela lui a permis d’ajouter à sa vision réaliste un décalage, une vision poétique, presque fantastique. 

Le choix de Benjamin Voisin a été une évidence pour Xavier Giannoli. Sur les sept longs-métrages dans lesquels le jeune acteur a tourné, j'en ai vu cinq et je dois dire que je l'ai toujours trouvé remarquable. Ici, une fois de plus, il est à la hauteur du rôle et semble avoir été mis au monde pour l'interpréter. 

Pour ce qui est du reste du casting, on retrouve un de mes chouchous : Vincent Lacoste (que j'ai trouvé particulièrement en forme dans ce film) mais aussi Cécile de France, Xavier Dolan, Gérard Depardieu, Louis-Do de Lencquesaing, Jeanne Balibar et Salomé Dewaels. Bref une joyeuse brochette qui fait des étincelles!

Aussi, bien qu'il y ait beaucoup de personnages, j'ai trouvé que la narration était fluide et le rythme global soutenu et prenant. 

En réalisant cette adaptation, Giannoli rend un véritable hommage à la France en général, à sa splendeur, à la complexité et à la richesse de sa langue notamment et bien sûr à son architecture et à sa vaste culture.  

Illusions perdues est un film qui donne envie de lire toute l'oeuvre de Balzac (ou au moins le livre éponyme) et qui donne aussi envie de se pencher de plus près sur la filmographie du réalisateur. Chapeau l'artiste!

Anecdotes : 

1. Si Xavier Giannoli a choisi de faire ses études à la Sorbonne c'était pour être dans le quartier des cinémas.

2. Le personnage de Nathan (interprété par Xavier Dolan) a été créé pour le film. Il condense trois personnages du roman : Raoul Nathan, journaliste intrigant ; Daniel d’Arthez, écrivain profond qui préfère à la compromission une vie difficile consacrée au travail et Melchior de Canalis, poète mondain à succès, reçu dans les salons de l’aristocratie. 

3. C'est par le biais de la musique que le réalisateur s’est replongé dans le livre. Il raconte avoir surtout écouté le concerto pour quatre pianos et orchestre de Bach et que c'est son architecture « choral » où les thèmes semblent dialoguer d’un piano à l’autre qui l'ont permis de trouver le mouvement à suivre.

Spectre : Sanity, Madness & The Family de Para One.

À partir du moment où j'ai vu la bande-annonce hyper intrigante de ce film lors d'une autre séance dans un cinéma Mk2, j'ai eu envie de voir ce documentaire.

Si le nom Para One me semblait familier, j'avoue que je ne savais pas pourquoi. Il s'avère que c'est à travers le cinéma de Céline Sciamma que je l'ai découvert. En effet, Para One a signé les bandes originales des films Naissance des pieuvres, Tomboy, Bande de filles et Portrait de la jeune fille en feu. C'est déjà à la sortie de la Fémis (où ils étaient tous les deux étudiants) qu'il a commencé à travailler sur Spectre: Sanity, Madness & the Family en collaboration avec la réalisatrice.

Premier long-métrage pour le DJ-compositeur-producteur français Jean-Baptiste de Laubier, il s'agit d'une auto-production. La décision de produire lui-même son film était raisonné puisqu'en effet, le réalisateur avait conscience que la structure inédite de son projet l'excluait du système de financement classique. Ainsi, il a inventé son propre procédé. Le résultat? Un film déroutant, qui subjugue et tient en haleine le spectateur du début à la fin.

Pour ma part, après être sortie de la salle, totalement chamboulée par ce à quoi je venais d'assister, je n'avais qu'une envie : crier. Autant de joie que de tristesse, autant d'excitation que de colère. J'étais dans un état second, comme sur un nuage ou propulsée dans un monde parallèle. Tel un coup de poing qui vous assomme, j'ai immédiatement pensé que ce film était MON coup de coeur de l'année 2021. Et oui, rien que ça!

L'une des spécificités de Spectre: Sanity, Madness & the Family est de mêler fiction et documentaire. Si ce choix a été principalement fait afin de protéger certains proches de Para One qui voulaient garder l’anonymat, ce format s’explique également par le fait que le récit s’appuie sur la mémoire. Il y a alors une part de reconstruction et donc d'invention, d'imaginaire qui s'incarne dans le film par des acteurs qui rejouent des scènes parfois authentiques, parfois écrites selon le principe de l’autofiction.

Ces séquences jouées cohabitent avec des images tournées par le réalisateur sur une période d'une vingtaine d'années, jusqu'alors compilées sans réel but. Et c'est ce mélange si particulier qui permet d’atteindre une réalité alternative. 

Tel un rêve éveillé, on suit le mouvement sans être maîtresse et/ou maître de la situation. Par conséquent, on est envahis par une multitude de sensations et émotions divergentes qui nous déstabilisent inlassablement.

Avec ce projet, Para One voulait explorer les racines intimes de la création artistique. À travers une histoire partiellement fictive de sa propre famille, il avait pour souhait de remonter aux sources mêmes de ce qui l'a poussé depuis toujours à exprimer ses intuitions sous forme stylisée. 

Telle une quête, ce premier long-métrage a pour objectif de reconstituer la musique perdue de l'enfance de l'artiste, musique qu'on découvre avoir été composée par un maître spirituel sous l’influence duquel sa famille a évolué pendant plusieurs décennies.

Passionnant est l'adjectif que j'utiliserais pour résumer en un seul mot ce film qui m'a emmenée ailleurs. 

Maintenant, je ne peux que vous recommander de le découvrir à votre tour. Vous m'en direz des nouvelles!

Anecdote : C'est après cinq années de recherches que Para One a enregistré avec ses musiciens le disque Machines Of Loving Grace, qui constitue autant la bande originale du film que son album. Les enregistrements ont été filmés au Japon, en Indonésie, en Bulgarie et à Paris. Il était important pour le réalisateur de rendre visible le visage des musiciens et « de rendre compte de l’ancrage de leur pratique dans ce qu’elle a pour eux de spirituel.

C'est ainsi que s'achève cet article cinéma qui, je l'espère, vous aura donné envie de voir au moins un des cinq films présentés. Je vous embrasse et vous retrouve demain avec un nouveau post mode.

Cinema | Recommandations cinématographiques #28

Bonjour, bonsoir, j'espère que vous allez bien! Mon dernier article cinéma remonte déjà à un mois alors je me suis dit qu'il était temps de partager avec vous cinq nouvelles recommandations. Il y a certains films qui ne sont plus en salles malheureusement mais j'avais tout de même envie de vous en parler.

Blue Bayou de Justin Chon.

C'est en partie grâce à mon meilleur ami Léo que je suis allée voir ce film au cinéma. En effet, s'il ne m'avait pas précisé qu'il désirait découvrir Blue Bayou en salles, je serais peut-être passée à côté. 

Si j'ai autant aimé Blue Bayou c'est sûrement parce qu'il m'a appris quelque chose dont j'ignorais tout. En effet, il s'agit d'un film qui s'intéresse à un sujet plutôt méconnu soit le cas des enfants de Corée du Sud adoptés par des Américains qui ont été expulsés des Etats-Unis à l'âge adulte. 

Bien qu'il ne soit pas né en Corée du Sud, Justin Chon en est originaire et, en grandissant, il a connu de nombreux enfants adoptés qui ont subit cette situation navrante. Initialement, l'acteur-réalisateur n'avait pas prévu d'incarner le rôle principal mais, au moment des castings, il s'est rendu compte que ce personnage lui tenait trop à coeur pour confier son interprétation à quelque d'autre.

Outre sa thématique subjuguante, Blue Bayou est un long-métrage à la photographie réussie. Mis en lumière par le chef opérateur Ante Cheng et tourné en pellicule 16mm, le film a une texture particulière qui permet d'entrer complètement dans l'univers dépeint.

Les décors de la Nouvelle-Orléans en Louisiane participent notamment à la plongée dans le récit. L'équipe a d'ailleurs privilégié les décors réels. La demeure principale est une maison Shotgun traditionnelle, un style architectural typique de la région qui s'est développé après la guerre de Sécession, jusque dans les années 20.

Normalement, je préfère que les acteurs soient de la même nationalité que les personnages qu'ils interprètent. Je l'explique simplement par le fait que les accents spécifiques sont forcément plus crédibles lorsqu'ils sont réels et non appris. Ici que ce soit Alicia Vikander (qui est une actrice que j'adore) ou encore Justin Chon je ne pourrais pas affirmer que leur accent est parfait mais je les ai trouvé convaincants. 

Sinon en termes de casting, je l'ai trouvé tout simplement exceptionnel. Que ce soit la jeune Sydney Kowalske, Mark O'Brien ou encore Emory Cohen (que j'avais déjà vu dans Brooklyn de John Crowley), ils sont tous à la hauteur.

Si j'avais bien évidemment conscience que la politique migratoire américaine ainsi que son système administratif était absurde, je n'imaginais pas que c'était aussi grave. La mise en lumière de cette tragédie contemporaine à travers ce film m'a complètement retournée. Je ne vais pas vous cacher que j'ai pris une sacrée claque et que je n'ai pas pu m'empêcher de pleurer à chaudes larmes (surtout à la fin). 

Blue Bayou c'est donc un vrai coup de coeur autant pour son scénario que tout ce qu'il y a autour. À voir absolument!

Anecdotes : 

1. Si le visage de Justin Chon vous dit quelque chose c'est peut être parce que vous l'avez découvert dans la saga Twilight où il jouait le personnage d’Eric. 

2. Blue Bayou tire son titre de la chanson de Roy Orbinson, reprise par Linda Ronstadt en 1977. 

Serre-moi fort de Mathieu Amalric.

Il s'agit du huitième long-métrage en tant que cinéaste pour Mathieu Amalric et, pour ma part, du quatrième film réalisé par lui que je vois. 

Serre Moi Fort est tiré de Je reviens de loin, une pièce écrite par Claudine Galea dont la spécificité est qu'elle n'a jamais été jouée. Et c'est via Laurent Ziserman, qui a dû renoncer à monter la pièce, que Mathieu Amalric a découvert cette histoire.

Plusieurs éléments m'ont donné envie de découvrir ce film. Premièrement, pour Mathieu Amalric dont je suis fan aussi bien en tant qu'acteur qu'en tant que metteur en scène. Deuxièmement, pour les deux acteurs principaux avec d'une part Vicky Krieps - qui semble être partout cette année en France - et Arieh Worthalter, que j'avais adoré dans À coeur battant de Keren Ben Rafael (film dont je vous avais parlé dans un article cinéma d'avril 2020) ainsi que Pearl d'Elsa Amiel (dont je vous ai parlé dans un article cinéma de mars 2019) et bien sûr Girl de Lukas Dhont (dont je vous ai parlé dans un article cinéma d'octobre 2018).

Avant d'aller voir le film, je n'avais pas vu sa bande-annonce alors j'ignorais tout de l'histoire. Si j'ai été, comme tout le monde je pense, déconcertée par le début, je me suis rapidement laissée emportée par ce à quoi j'étais en train d'assister sans trop me poser de questions. Étant familière du cinéma d'Amalric, je savais que je pouvais lui "faire confiance" et je ne m'étais pas trompée sur ce point-là.

Serre Moi Fort m'a fait frémir, m'a touchée, m'a chamboulée et nombreux encore sont les verbes que je pourrais utiliser pour exprimer toutes les émotions qu'il a provoqué en moi.

Comment représenter le deuil? Comment transmettre la douleur à travers des images? Telles sont les questions posées par l'acteur-réalisateur et c'est, avec une certaine intelligence, qu'il a réussi à y répondre via son film. 

Entre imaginaire et réalité, on est ballotés entre deux mondes qui se confondent pour notre plus grand plaisir. Traités sur le même plan, il est, dans un premier temps, difficile de reconnaître le vrai du faux. L'intelligence de l'écriture, de la mise en scène et du montage est d'avoir réussi à ce que ce dispositif fonctionne à plusieurs niveaux. Personnellement, je suis admirative d'une telle prouesse et je ne peux que féliciter Mathieu Amalric d'avoir relever le défi de me surprendre une nouvelle fois avec sa dernière réalisation.

Le challenge était d'autant plus complexe à mettre en oeuvre puisque le tournage s'est étendu sur une très longue période, interrompue par plusieurs pauses (le tournage a débuté au printemps 2019, avant de reprendre en novembre de la même année et s’est terminé fin janvier 2020). 

Pour ce qui est du casting, c'est dès le début de l'écriture que Mathieu Amalric à penser à Vicky Krieps. Bien qu'elle avait lu la pièce, elle n'a pas lu le scénario avant d'accepter la proposition d'endosser le rôle principal. Résultat : ce fût le bon choix pour l'un comme pour l'autre puisque la performance de l'actrice luxembourgeoise est tout simplement époustouflante. 

Enfin, que ce soit les décors, les costumes, les accessoires ou encore la photographie : chaque élément n'est pas là au hasard et tout m'a énormément plu.

Anecdotes : 

1. Le titre est un clin d’œil à la chanson La Nage indienne d’Étienne Daho, dont les paroles sont : « Serre-moi fort. Si ton corps se fait plus léger, nous pourrons nous sauver ». Mathieu Amalric a révélé que : « Longtemps sur le scénario “Serre moi(ns) fort“ est resté en balance… Mais pour une fois le premier degré a gagné ! « Serre moi fort » est finalement arrivé sur le clap et y est resté. Mais sans tiret. Trois mots comme isolés les uns des autres. »

2. Mathieu Amalric s'est inspiré de mélodrames comme Corps à coeur de Paul Vecchiali, Je rentre à la maison de Manoel de Oliveira, de nombreux autres longs-métrages de Douglas Sirk et Nicholas Ray. Il s'est notamment intéressé aux filmographies de Buñuel, Resnais, Hitchcock et aux films L'Aventure de madame Muir, Boyhood, Là-haut, Coco ou encore la série The Leftovers. Parmi ces références, il cite aussi Les Gens de la pluie de Francis Ford Coppola dont je vous avais parlé dans un article cinéma de février 2020.

PS : Je vous recommande vivement de voir La chambre bleue de Mathieu Amalric qui m'avait totalement bouleversée.

Drive my car de Ryusuke Hamaguchi.

Présenté en compétition au Festival de Cannes 2021, Drive My Car a obtenu le Prix du Scénario, le Prix du jury Œcuménique, le Prix Fipresci de la presse internationale et le Prix AFCAE (Association Française des Cinémas d’Art & Essai). 

Drive my car est l'adaptation d'une nouvelle d’Haruki Murakami, extraite d’un recueil qui en compte sept, intitulé Des Hommes sans femmes. Ce qui intéressait le cinéaste dans cette histoire c'était le cadre de l'action (la voiture) et les deux personnages principaux qu'il trouvait intrigants.

Personnellement, c'est aussi pour ces deux raisons que j'ai eu envie de découvrir le film. En effet, outre son succès critique, j'aime énormément les récits dont la plupart des séquences se déroulent dans un véhicule en mouvement ainsi que les rencontres décisives et/ou marquantes. 

De Ryusuke Hamaguchi j'avais déjà vu Senses (dont je vous avais parlé dans un article cinéma de juillet 2018),  Asako I et II (dont je vous avais parlé dans un article cinéma de février 2019) et Passion (dont je vous avais parlé dans un article cinéma de juin 2019). Force est de constater que le cinéma du réalisateur japonais me touche puisque j'en parle à chaque fois que je découvre une nouvelle de ses oeuvres. Je crois bien que Drive my car est celle que j'ai préféré.

Et pourtant, ce n'était pas joué d'avance parce que j'ai failli de pas avoir le courage de passer 3h enfermée dans une salle de cinéma. Parce que oui, Drive my car dure trois heures. Impossible de ne pas le mentionner dans cette critique toutefois, je tenais surtout à vous rassurer : on ne les voit pas passer. Le rythme du film est justement très intéressante et parfaitement proportionnée selon moi. Alors que la bande-annonce ne révèle qu'une partie de ce dont il est question dans l'ensemble, j'ai été ravie de voir qu'il ne s'agissait pas seulement d'une histoire d'un homme se faisant conduire là ou il voulait par une femme.

Ce qui m'a particulièrement plu c'est la construction progressive du rapport entre les deux protagonistes. On passe d'une première phase d'observation pour arriver à de vrais échanges. À travers leurs confidences, ils s'apprivoisent et apprennent à se connaître et nous suivons le même parcours. 

L'autre raison pour laquelle j'ai vraiment apprécié ce film est sûrement parce qu'il traite du deuil : un sujet qui m'émeut particulièrement. Ici, il est question de faire passer le message qu'il faut vivre malgré la douleur, ne pas se morfondre et essayer, au contraire, d'avancer toujours plus loin. 

Par ailleurs, l'autre thème passionnant de Drive my car (auquel je ne m'attendais pas) tourne autour de l'art dramatique. En effet, le personnage principal est metteur en scène de théâtre et il est justement en train de monter une nouvelle pièce. On est plongés dans son processus de création et les répétitions qu'il mène avec ses comédiens sont toutes aussi prenantes les unes que les autres. 

Enfin, le talent de Ryusuke Hamaguchi selon moi, c'est qu'il réussi à être profond sans être donneur de leçons. Tout est dans la subtilité et chaque élément de son histoire est raconté avec la distance idéale et surtout, beaucoup d'intelligence. Ainsi, même si plusieurs récits s'entrecroisent sur trois heures entières, on est captivés du début à la fin sans même penser à ce qu'il se passe en dehors de ce film.

Drive my car est une véritable expérience humaine qui nous fait ressentir, en continu, une palette d'émotions.

Les Intranquilles de Joachim Lafosse.

Outre le fait que la bande-annonce me donnait bien envie de découvrir Les Intranquilles, j'avais gardé un très bon souvenir du film précédent de Joachim Lafosse soit Continuer avec Virginie Efira et Kacey Mottet Klein (dont je vous avais parlé dans un article cinéma de mars 2019).

Afin d'écrire son nouveau scénario, le scénariste-réalisateur belge s'est directement inspiré de ce qu'il a vécu en grandissant avec son père maniaco-dépressif. Plus qu'un film sur la bipolarité cependant, son neuvième long-métrage parle de sujets universels qui sont : la famille et l'amour.

Si, avant de me rendre au cinéma, j'avais des doutes sur la "crédibilité" du couple Bekhti-Bonnard, leurs performances exceptionnelles m'ont totalement convaincue. Et bien qu'il s'agisse de ses premiers pas au cinéma, il en est de même pour Gabriel Merz Chammah, dans la peau de leur fils, qui fait preuve d'une maturité impressionnante pour un garçon de seulement huit ans.

Dès la première séquence (qui est pourtant la plus calme de l'ensemble), on est immédiatement impliqués dans le récit et on ressent comme un bouillonnement. J'ai instinctivement ressenti énormément d'empathie pour ce trio au bout de quelques minutes à peine et mon intérêt pour eux n'a fait qu'accroître au fur et à mesure que le temps passait.

Par ailleurs, il y a de nombreuses idées brillantes dans le film. Parmi elles, le choix de la chanson Idées noires de Bernard Lavilliers pour une des séquences de la famille en voiture qui est en adéquation totale avec cette histoire bouleversante. Un autre exemple c'est la reprise d'une même scène avec les mêmes dialogues mais prononcés par des personnages différents : alors qu'ils sont attablés, le père fait une remarque sur la table à manger qui lui parait soudainement horrible et plus tard, le fils imite son père et se met à critiquer, à son tour, cette même table. La première fois, la séquence tourne au désastre, la deuxième fois, on en rit aux éclats. 

Entre la joie, les larmes, l'énervement, l'inquiétude, chaque instant du film apporte une nouvelle sensation, chaque minute nous emmène autre part et on est pris, subjugués, investis, corps et âme. Ainsi toute personne dotée d'un minimum de sensibilité sera séduite puisqu'il s'agit d'une oeuvre intelligente, qui ne juge jamais ses personnages mais qui, à l'inverse, les acceptent tels qu'ils sont en les soutenant dans leurs actions.

D'autre part, j'ai vraiment apprécié les décors et la photographie de Jean-François Hensgens qui est très réussie selon moi.

En résumé : Les Intranquilles est un film qui fait vibrer dans tous les sens du terme et dont la mélodie, si particulière, résonne encore en moi après des semaines. Je recommande!

Anedotes :

1. Le couple de départ devait être interprété par Matthias Schoenaerts et Jasmine Trinca.

2. Gabriel Merz Chammah est le petit-fils d'Isabelle Huppert et le fils de Lolita Chammah. 

3. Les personnes qui vivent près d’un maniaco-dépressif deviennent, elles aussi, des "intranquilles". C'est la raison pour laquelle Joachim Lafosse a mis le titre du film au pluriel. "Même si le mot vient pour une part de Gérard Garouste, encore un peintre, et de son livre L’Intranquille, autoportrait d’un fils, d’un peintre, d’un fou", précise le metteur en scène.

3.Pendant les répétitions, Joachim Lafosse n'a pas caché aux acteurs qu'il ignorait comment le film se terminerait. Alors, le matin du tournage de cette dernière séquence, il a demandé à Leïla et Damien ce qu'ils souhaitaient qu'il arrive aux personnages. Ils se sont nourris de tout ce qu'ils avaient vécu pendant le tournage pour choisir de cette fin ce qui la rend d'autant plus marquante.

Julie (en 12 chapitres) de Joachim Trier.

Julie (en 12 chapitres) clôt la trilogie d'Oslo après Nouvelle Donne (2006) et Oslo, 31 août (2011). Il s'agissait, pour ma part, du premier film que je voyais du réalisateur norvégien et je dois dire que j'ai été plutôt convaincue par son univers. 

Comme son titre français l'indique, le film est divisé en douze chapitres avec notamment un prologue et un épilogue. On passe donc 128min à suivre différents épisodes de la vie de Julie, une femme trentenaire impulsive.  

Présenté en compétition au Festival de Cannes 2021, Julie (en 12 chapitres) a été récompensé du Prix d’interprétation féminine pour Renate Reinsve. Un prix mérité et surtout très encourageant pour l'actrice qui, avant d'être engagée pour incarner ce rôle principal, envisageait d'abandonner sa carrière d'actrice pour devenir charpentière.

Suite au surnaturel Thelma sorti en 2017, Joachim Trier désirait revenir à un projet plus familier. Avec ce cinquième long-métrage, il aborde des situations proches de son vécu en s'inspirant de toutes les relations vécues qu'il a pu observer autour de lui. L'idée était de parler d'amour avant tout et de l'écart entre le fantasme de la vie que tout un chacun peut s'imaginer mener et la vie qu'on mène réellement.

Ce qui est très réussi (et qui déplaira sûrement à certaines personnes) c'est que le cinéaste a tenu à ne pas toujours montrer Julie comme un personnage sympathique. Ainsi, son penchant autodestructeur ne nous ait pas dissimulé, au contraire. Personnellement, je ne me suis pas du tout identifiée à elle mais me suis retrouvée davantage dans les rôles masculins interprétés par Anders Danielsen Lie et Herbert Nordrum.

Ce trio d'acteurs est une vraie révélation selon moi. Ils apportent chacun, à leur manière, une vraie plus value au film et j'aurais du mal à imaginer d'autres personnes qu'eux pour endosser leurs rôles dans Julie (en 12 chapitres).

Bien que le scénario soit en majorité orienté vers le drame et la mélancolie, il y a beaucoup de moments très drôles qui permettent de rendre l'ensemble plus léger et des moments d'un romantisme lyrique qui m'ont, forcément, énormément plu. La séquence où Julie traverse la ville complètement suspendue par exemple, dont on peut voir un morceau dans la bande-annonce,  est incroyable aussi bien par sa mise-en-scène que par sa singularité (à savoir que tous les figurants ont dû rester véritablement immobiles puisque Joachim Trier ne voulait pas utiliser d'effets spéciaux numériques).

Autre détail, et pas des moindres, j'ai adoré toutes les musiques utilisées pour illustrer l'histoire. Entre Billie Holiday, Guts, Satie, Ravel, Harry Nilsson, Chassol, Cymande ou encore Ahmad Jamal Trio : j'étais aux anges pendant les deux heures de visionnage.

Enfin, je terminerais en disant simplement que d'avoir écrit sur ce film m'a donné envie de le revoir et je pense, que c'est plutôt un signe très positif.

Anecdote :  En parallèle de sa carrière d’acteur, Anders Danielsen Lie est médecin. Il s’est d'ailleurs mobilisé durant la pandémie pour aider les gens à se faire vacciner à Oslo.

PS : J'en profite notamment pour vous recommander une vidéo très intéressante du réalisateur sur tous ses films favoris réalisée par Konbini.

Voici donc pour ces cinq nouvelles recommandations cinématographiques. J'espère que cela vous a donné envie d'aller découvrir ces films en salle à votre tour et qu'ils vous plairont autant qu'à moi! Je vous souhaite à toutes et tous un merveilleux week end et vous retrouve bientôt.