Art | Hammershøi, le maître de la peinture danoise - Musée Jacquemart André

Hier je vous parlais de l'exposition La Lune au Grand Palais, aujourd'hui je continue sur ma lancée d'articles culturels avec ma découverte du peintre Hammershøi au Musée Jacquemart André.

Admiré et célébré de son vivant, Vilhem Hammershøi (1864-1916) est progressivement tombé dans l'oubli après sa mort, excepté dans les pays nordiques. Redécouvert dans les années 1990, il est parfois considéré comme le Vermeer du XXè siècle et reconnu comme un artiste de la lumière et du silence.

Son oeuvre suscite un intérêt croissant du public , intrigué par ses peintures représentant, dans des gammes de gris et de blanc, de subtils intérieurs vides d'où se détache parfois la silhouette d'une femme de dos. 

L'exposition Hammershøi, le maître de la peinture danoise est la première rétrospective qui lui est consacrée en France depuis plus de vingt ans. Elle réunit une quarantaine d'oeuvres majeures grâce à des prêts exceptionnels de l'Ambassadeur John L. Loeb Jr. et de grands musées européens, tels que le Statens Museum for Kunst et la Hirschsprungske Malmö Konstmuseum, ou encore le musée d'Orsatyet la Tate à Londres. 

Cette exposition éclaire l'art de Hammershøi d'un jour nouveau, en illustrant ses liens avec les artistes de son entourage. Pour la première fois, ses oeuvres sont confrontées à des tableaux de son frère Sven Hammershøi, de son beau-frère Peter Ilsted et de son ami Carl Holsøe. Cette mise en regard présente leurs affinités, leurs différences, tout en soulignant le génie singulier de Vilhelm Hammershøi.

La femme de l'artiste dressant la table, Carl Holsøe

Hammershøi et les siens

Dès son plus jeune âge Vilhelm Hammershøi montre de grandes dispositions artistiques : il étudie à l'Académie des Beaux-Arts de Copenhague avant de rejoindre les Frie Studieskoler (Ateliers indépendants), plus novateurs. Conforté par cette double formation, son talent trouve rapidement sa pleine expression. Ses tableaux se distinguent par l'utilisation d'une palette resserrée dans une atmosphère mélancolique.

En 1890, Hammershøi fait le portrait de sa fiancée Ida, soeur de son ami Peter Ilsted. l'apparente simplicité de ce portrait dénote une radicalité qui tranche avec le goût de l'époque pour les compositions détaillées. Une même indépendance vis-à-vis des conventions picturales se dégage des autoportraits que Hammershøi réalise à la même époque. 

La modernité de Hammershøi s'impose avec Cinq portraits, toile monumentale qu'il considère comme son oeuvre maîtresse. Là encore, pas d'interaction entre les personnages dont les regards fixent chacun une direction différente. L'impression d'étrangeté est renforcée par le clair-obscur qui construit une théâtrale vision nocturne, presque lugubre.

Cinq portraits de Vilhelm Hammershøi, 1901-1902. 

Hammershøi considérait ces Cinq portraits comme son oeuvre la plus importante et il espéra longtemps la faire rentrer dans les collections du Musée national, le Statens Museum for Kunst. C'est finalement un collectionneur suédois qui acheta ce tableau monumental, aujourd'hui l'une des gloires de la Thielska Galleriet à Stockholm.

Sont représentés, attablés de gauche à droite, l'architecte et designer Thorvald Bindesbøil, l'historien de l'art Karl Madsen, le peintre Jens Ferdinand Willumsen, le peintre Carl Holsøe, tous amis proches d'Hammershøi, et, de l'autre côté de la table, son frère Svend.

Sur la nappe immaculée sont disposés quelques verres à pied et deux chandeliers allumés. La composition rappelle les représentations de la Cène, mais aussi les stricts intérieurs des pays nordiques. 

L'atmosphère funéraire de cette toile, la modernité de sa construction, et plus particulièrement la position d'Holsøe, firent scandale lorsque le tableau fur présenté en mars 1902 à Den Frie Udstilling (La Libre Exposition) créée en 1890 sur le modèle du Salon des Refusés parisiens.

Premiers intérieurs, une empreinte personnelle

La vocation artistique d'Hammershøi a été encouragée par sa mère Frederikke, qui a conservé toutes les coupures de presse le concernant. Elle tient une place importante dans la vie de son fils qui, très jeune, réalise deux portraits d'elle. 

À l'instar d'Hammershøi; son ami Carl Holsøe et son beau-frère Peter Ilsted aiment à représenter des intérieurs, thème en vogue auprès des peintres danois au tournant du XXè siècle. Si leurs sujets sont identiques, l'impression qui se dégage de leurs compositions est très différente. Alors qu'une grande mélancolie émane des toiles d'Hammershøi, construites dans une subtile gamme de gris, les tonalités douces et un peu éteintes dans lesquelles travailles Holsøe et Ilsted confèrent à leurs oeuvres une atmosphère chaleureuse. 

La clarté froide qui baigne les tableaux d'Hammershøi laisse place chez Holsøe à une lumière diffuse mettant en valeur le raffinement d'un appartement bourgeois. Présenté dans le pavillon danois de l'Exposition Universelle de 1900, l'Intérieur d'Ilsted fut acheté par l'État français alors qu'aucune des onze peintures présentées par Hammershøi ne trouva acquéreur.

Aujourd'hui, la confrontation entre les deux artistes est à l'avantage d'Hammershøi dont l'esthétique plus radicale s'impose au regard contemporain.

Entre rêve et réalité, le paysage

Lors de la première moitié du XIXème siècle, les peintres de l'âge d'or danois ont particulièrement excellé dans l'art du paysage. Hammershøi s'inscrit dans cette tradition, mais en lui donnant un sens et une atmosphère bien différents. Le paysage qu'il peint à seize ans, où s'étire en diagonale une rangée d'arbres dans la campagne se situe dans la lignée de ses illustres prédécesseurs, mais les suivants ne présentent pas le même rapport avec la nature. L'artiste y introduit une nette distanciation, les transformant, en quelque sorte, en paysages intérieurs.

Bien qu'Hammershøi ait choisi des sites typiques du Seeland, qui avaient inspiré avant lui de nombreux artistes danois, il en supprime tout détail pittoresque. Sous des ciels d'une luminosité argentée, ce sont de lointaines lignes d'horizon, scandées de quelques arbres, sans aucune présence humaine. Les paysages d'Hammershøi tendent vers l'abstraction en évitant tout détail qui pourrait détourner l'attention du spectateur et en augmentant la part du ciel, comme dans le Paysage, Lejre ou dans la vue de Refsnaes, qu'il a peinte pendant l'été 1900 dans cette région que lui avait fait découvrir son frère Svend. De même, l'arrière-plan des compositions semble souvent se dissoudre pour faire apparaître plus distinctement les arbres qui se profilent sur la ligne centrale du tableau. 

Paysages citadins, le temps suspendu

Pour ses tableaux d'architecture, Hammershøi procède avec la même radicalité. Il dissout les détails dans une sorte de brume, comme le montre la comparaison inédite de deux vues de l'église Saint-Pierre de Copenhague, l'un des plus anciens monuments du centre de la ville. Hammershøi n'y représente ni les maisons adjacentes de ce quartier très peuplé, ni aucune figure humaine. Seule l'église occupe l'espace ainsi qu'un arbre aux branches dénudées. Dans la toile de l'Ambassador John L.Loeb Jr. Danish Art Collection, l'édifice se détache assez nettement sur un ciel gris bleu, alors qu'il se fond dans un ciel gris brun dans la toile plus monumentale du Statens Museum for Kunst de Copenhague. 

Une même lumière voilée imprègne la vue de L'École juive de Guilford Street peinte quelques années plus tard pendant un séjour d'Hammershøi à Londres, en 1912-1913. On y trouve aussi, au premier plan, des arbres décharnés, l'un des motifs qu'affectionne l'artiste. La tonalité gris bleu de ce tableau accentue la sensation de froid et d'humidité et, comme dans tous les paysages urbains d'Hammershøi, l'ensemble donne l'impression d'une ville fantôme.

Dans les Ruines du château de Koldinghus peint par son frère Sven, l'influence de Vilhelm Hammershøi est prégnante. Il s'agit de nouveau d'un paysage hivernal, dont le premier plan est envahi par d'inquétants arbres effeuillés. La proximité stylistique entre les deux artistes est cependant tempérée, chez Svend, par l'utilisation de tons plus chauds et par un goût pour le pittoresque, totalement absents des compositions de Vilhelm.

Un nouveau regard sur le nu

Le nu, marginal dans la production d'Hammershøi, constitue sans doute la facette la moins connue de son oeuvre. Reprenant un thème cher aux peintres de l'âge d'or danois, Hammershøi, comme il en a l'habitude, s'éloigne des modèles anciens pour projeter sur la toile une vision toute personnelle, dans une palette restreinte dominée par des tons de gris. Ainsi, les nus sensuels des artistes de la première moitié du XIXème siècle cèdent le pas à des études d'un dépouillement presque clinique.

Comme le petit Modèle, les nus qu'Hammershøi peint dans sa jeunesse ont le statut d'esquisses et permettent de mieux comprendre son processus artistique. Ces oeuvres sont exécutées d'après des modèles vivants, mais on ignore toujours l'identité de ces femmes au visage effacé (Modèle féminin nu, de profil) ou incliné (Nu à mi-corps). 

à gauche : Modèle féminin nu, de profil.
à droite : Nu féminin - 1910.

Dans ces toiles, Hammershøi propose une représentation sans idéalisation des corps, traités sans ces gris très froids. Le travail sur la lumière, qui n sert ici qu'à construire les volumes, renforce l'aspect sculptural de ces figures qui se détachent sur un fond neutre, rapidement brossé. 

Modèle féminin nu, de profil - 1886

Silhouettes du quotidien, atmosphères étranges

Parmi les artistes de l'avant-garde danoise, c'est Carl Holsøe qui, le premier, expose publiquement un intérieur, faisant connaître ce genre dans lequel son ami Vilhelm Hammershøi va s'imposer. Alors que les oeuvres d'Holsøe distillent une certaine idée du bonheur domestique, il se dégage des intérieurs d'Hammershøi une troublante étrangeté. 

Y figure presque exclusivement la femme de l'artiste, que l'on aperçoit le plus souvent de dos, comme dans l'Intérieur avec une femme debout (photo ci-dessous), qui offre un saisissant résumé de l'art d'Hammershøi. Il y saisit une silhouette, absorbée dans sa tâche ou dans ses pensées, dont les gestes semblent suspendus.

à gauche : Repos, 1905.

à droite : Intérieur avec une femme debout

Conservée depuis 1996 au musée d'Orsay, la célèbre toile Repos (photo ci-dessus) est tout aussi mystérieuse, mais l'abandon de la pose du modèle et le cadrage resserré confèrent une dimension plus intime, voire sensuelle, à cette composition. Et c'est justement par ce cadrage que cette oeuvre se distingue des intérieurs que l'artiste réalise à cette époque. 

Près d'une table sur laquelle est posée une coupe de porcelaine blanche, Ida est assise de dos. Elle porte un corsage gris et une jupe noire, et quelques mèches échappées de son chignon bordent sa nuque. Les lignes droites de la chaise et de la plinthe sont atténuées par le raffinement des tons gris et bruns et la douceur des contrastes. Comme un écho à la blancheur de la coupe, la nuque du modèle éclaire le centre de la composition.

La femme n'est pas debout, comme suspendue dans un mouvement interrompu, mais assise légèrement penchée en arrière, retenue par le dos de la chaise, suggérant un certain relâchement. C'est un des rares tableaux d'Hammershøi ne distillant pas une impression d'étrangeté mais de douceur.

D'un toile à l'autre, l'artiste procède à d'infinies variations autour d'un même motif. Une impression d'enfermement émane de l'Intérieur avec une femme de dos (photo ci-dessous), qui joue sur les lignes verticales et horizontales, dont l'ordonnancement est rompu par un miroir ovale qui ne reflète que le vide. 

Poésie du vide et de la lumière 

Hammershøi peint son premier intérieur vide en 1888 chez son ami Karl Madsen, historien de l'art et futur directeur du Statens Museum for Kunst de Copenhague. 

Hammershøi construit ses tableaux lentement, par petites touches, ce qui lui permet de transcrire sur sa toile les infimes variations de la lumière. Qu'il s'intéresse à son éclat sur des surfaces mates, comme une nappe ou une porte ou à ses reflets à travers une fenêtre, il en décrit toutes les vibrations. Il passe ainsi d'un sévère intérieur parcouru par une lumière géométrique (Rayon de soleil dans le salon, III) à la représentation d'une fenêtre projetant sur le sol un doux halo (Intérieur, rayon de soleil sur le sol - photo juste en dessous -).

à gauche : Intérieur de Carl Holsøe.

à droite : Intérieur, rayon de soleil sur le sol de Vilhelm Hammershøi - 1906

La quintessence de la conception du tableau d'intérieur chez Hammershøi se trouve sans doute dans les représentations des fenêtres qui projettent l'ombre fragemntée et la lumière sur le sol, comme dans la toile Intérieur, rayon de soleil.

Dans une gamme restreinte aux tonalités assourdies, l'artiste représente des motifs qui lui sont chers, une porte fermée à côté d'une fenêtre. On distingue également le bord d'une table dont la nappe blanche recouvre un secret : cette toile a été acquise par le célèbre pianiste anglaus Leonard Borwick, ami de l'artiste, qui a décidé de replier le pan gauche de la toile sur lequel on voyait une femme vêtue de noir. Il a ainsi délibérément modifié le sens de la composition, comme pour accentuer l'atmosphère mystérieuse.

En contrepoint est exposé un intérieur vide de Carl Holsøe, jouant lui aussi avec porte, fenêtre et table d'acajou. Si les motifs et le cadrage sont tres proches, l'atmosphère est radicalement différente : la fenêtre fermée donnant sur un mur y fait place à une fenêtre ouverte sur un jardin.

La lumière des oeuvres d'Hammershøi semble absorber la réalité des objets, pour mieux en restituer l'essence. On pourrait croire, à étudier l'impression d'immobilité qui émane de ses oeuvres, que l'artiste a peint inlassablement les mêmes intérieurs, alors qu'il a beaucoup voyagé et déménagé.

Il semble davantage être resté imperméable aux lieux visités et aux gens rencontrés, comme s'il n'avait voyagé que dans son propre univers. Immobile, immuable, suspendue dans l'espace et dans le temps, l'oeuvre d'Hammershøi nous surprend encore aujourd'hui.


Voici donc pour ce deuxième article de la semaine sur une exposition à laquelle je me suis rendue récemment (il y a tout juste une semaine pour être exacte). 

Comme je vous le disais au début de ce post, je ne connaissais rien de Vilhelm Hammershøi avant cette exposition et je suis heureuse de l'avoir découvert lui et son travail. 

C'était aussi la première fois que j'allais au musée Jacquemart-André et je dois dire que j'ai été impressionnée par la beauté de cet ancien hôtel particulier! Quand je pense qu'il y a des beautés pareilles à Paris, je suis d'autant plus heureuse d'y être née. Voici quelques photos ci-dessous pour illustrer mes propos :

Ma maman de dos, comme sur les tableaux d'Hammershøi

Si j'ai trouvé que l'entrée pour l'exposition était assez chère (plein tarif = 14,50€, tarif réduit = 11,50€), la visite du lieu m'a énormément plu et j'aurais aimé pouvoir y passer plus de temps pour décortiquer tous les détails de chaque pièce. 

J'espère comme toujours que cet article vous a plu et intéressé. Maintenant je vais me préparer pour sortir. Bon week-end à tous!